Analicé el bombo que se ha dado a las exposiciones de arte inmersivo y expliqué por qué no soy un fan.
Hace un par de meses, estaba en una cita, y mientras el chico intentaba entablar conversación y mostraba interés, acabamos hablando un poco de arte. Curiosamente, una de las primeras cosas sobre las que preguntó fue sobre esas exposiciones de arte inmersivo que están tan de moda ahora mismo, y mientras yo despotricaba educadamente sobre ello, él me dijo “Oh, usted es un poco tradicional”.
A decir verdad, se suele decir que los historiadores del arte, los comisarios y los críticos son tradicionales, estirados y se aferran a las tradiciones del arte elevado para cambiar y modernizar los puntos de vista, y ésa es una crítica que entiendo y acepto, ya que tiende a ser cierta. Y puede llamarme anticuado todo lo que quiera pero no me gustan ni entiendo las exposiciones de arte inmersivo y voy a explicarle por qué.
En primer lugar, ¿qué es una exposición de arte inmersiva? Suele ser una experiencia interactiva que aprovecha tecnologías como la RV, la holografía y la proyección digital para crear entornos construidos artificialmente, a menudo multisensoriales, que permiten a los espectadores entrar en la obra de arte y convertirse en protagonistas de ella. Aquí, ya no se trata sólo de mirar pasivamente, sino de experimentar la obra de arte que es simultáneamente el espacio que rodea al visitante, que se convierte en parte integrante de la activación de la instalación.
En los últimos años, este tipo de exposición se ha convertido en un éxito de taquilla, reuniendo a millones de visitantes en todo el mundo y exhibiéndose en ciudades de Europa, Asia y Norteamérica. Viendo la descripción, parece algo muy divertido e interesante para ir a ver. Entonces, ¿por qué no me gustan? Para aclarar las cosas, no tengo ningún tipo de problema con las exposiciones de arte inmersivo concebidas por artistas que utilizan la tecnología de los nuevos medios para crear y exponer sus obras. Mi problema es con este nuevo concepto de exposiciones inmersivas que son básicamente espectáculos de proyecciones histórico-artísticas de gran formato que pretenden volver a presentar la obra de artistas fallecidos hace mucho tiempo. Las obras elegidas suelen ser pinturas, aquí sacadas de su contexto para ser presentadas como obras de arte interactivas en un contexto tecnológico forzado que se vende como entusiasta y alegre.
La lista de ejemplos es larga: “Van Gogh: la experiencia inmersiva”, “Frida: Sueño Inmersivo” (“¡Sumérjase en el arte y la vida de Frida!”), “La revolución inmersiva de Klimt” (“¡Entre en su electrizante mundo y déjese llevar!”), “Imagine Picasso: La exposición inmersiva” (“Adéntrese literalmente en el mundo y las obras del maestro del arte moderno”), “Más allá de Monet” (“Conviértase en uno con sus pinturas”), “Monet junto al agua” (“Deambule libremente por un mundo modelado por el arte de Claude Monet”), “Claude Monet, La experiencia inmersiva”, “Gaudí: el arquitecto del imaginario”, “Chagall: Sueños de una noche de verano” y “Dalí: El enigma sin fin”.
Elijo un texto promocional de “Claude Monet, la experiencia inmersiva” para escudriñar lo que se promete y lo que realmente se ofrece a los visitantes. Así, según los promotores “es una exposición de arte digital única. Las obras maestras de Claude Monet se animan literalmente bajo sus pies y a 360° a su alrededor. Hemos digitalizado más de 300 cuadros y bocetos del artista, y comisariado un espectáculo único, llevando al visitante a través de Monet y su viaje para comprender mejor el impresionismo. Una experiencia inmersiva inolvidable que ya se ha presentado en Barcelona, Bruselas y Turín” (lo he corregido pero incluso había palabras mal escritas en este extracto publicado en la página web de la exposición).
Lo primero que me gustaría destacar son las palabras “exposición de arte digital” y “digitalizada”. Bien, en una exposición de arte digital debe exponerse arte digital, de lo contrario es sólo una exposición digital. Pero aquí no hay arte digital que ver, sólo la proyección de cuadros digitalizados de artistas reputados conocidos por atraer multitudes allí donde se exponen sus obras. Así pues, estas exposiciones carecen de lo más básico -la obra de arte física real-, ya que le cobran por ver la exposición de cuadros que no están ahí, sólo reproducciones digitales a gran escala en una pared de un espacio vacío de algún tipo donde está instalada la exposición. Las paredes de ladrillo son ahora la superficie en la que se ven las obras maestras de Frida Kahlo o Vincent van Gogh. A veces, las proyecciones van incluso acompañadas de sonidos y efectos visuales en los que los cuadros se arremolinan en el espacio de exposición “rodeando al visitante que fluye por el centro de las coloridas florituras del artista”. Así que, básicamente, puede tener una proyección de un Nenúfar de Monet bailando alrededor de su cara 😊.
Otra afirmación es que permitirá a los visitantes “comprender mejor el impresionismo” y yo pregunto educadamente ¿cómo? Normalmente, estas exposiciones se centran en la experiencia visual (colores, luces y efectos especiales de algún tipo) y no en el aspecto informativo o educativo, ya que no proporcionan mucha información adicional que contextualice al artista o al movimiento artístico asociado a ellos. La mayoría de las veces, hay pequeños textos en la pared o monitores en la entrada que muestran breves biografías de los artistas y enumeran sus obras más importantes, pero no mucho más que eso. El objetivo de estas exposiciones es el puro entretenimiento, convertir una exposición de arte en una experiencia de Disneylandia. Quieren dar respuesta a las necesidades del consumidor de experiencias de gran impacto y muy fotográficas que ofrezcan contenidos compartibles, reflejando un cambio cultural hacia la instagramificación del arte. Se trata de divertirse y publicar fotos en las redes sociales.
En un artículo realmente interesante de Alex Fleming-Brown en Vice titulado “Las exposiciones de arte inmersivo están por todas partes y son horribles” (se ve que le gusta tanto como a mí) escribe “El nuevo arte inmersivo también refleja el auge de las tecnologías digitales de consumo y los comportamientos y expectativas que cultivan” y da en el clavo con esa afirmación. El auge de los espacios expositivos pop-up, como el Museo del Helado o Happy Place, es también un reflejo de esta necesidad de ir a lugares guays publicitados por las redes sociales cuyo espacio se construye a partir de un diseño Instagrammable.
Fleming-Brown también cita a Janet Kraynak y su libro El arte contemporáneo y la digitalización de la vida cotidiana, publicado en 2020, en el que argumenta que el museo, “en lugar de ser sustituido por Internet, se está reconfigurando cada vez más tras él”. “Estos espacios tratan a los visitantes como si fueran los “usuarios” de un producto de consumo, y por ello atienden a sus preferencias, creando entornos “placenteros, no conflictivos”, y haciendo hincapié en la interactividad”. Sugiere que, en lugar de esforzarse por ser lugares de pedagogía, los museos se están volviendo “indistinguibles de cualquier cantidad de sitios y experiencias culturales, ya que todos se convierten en vehículos para la entrega de ‘contenido'”. La respuesta a esta exigencia de ‘contenido’ consiste en crear estas exposiciones inmersivas pop-up que resultan menos desafiantes e interesantes.
Pasamos a otro artículo de Sabine Oelze que escribe “Un deslumbrante espectáculo de color, luz y sonido hacen que las grandes obras de arte de Salvador Dalí o Wassily Kandinsky sean accesibles a todo el mundo”. Bueno, me cuesta aceptar el uso de la palabra “accesible”, ya que no entiendo cómo lo hacen. Si accesibilidad significa desglosar el contexto histórico o la información técnica para que sea fácilmente comprensible, bueno… casi ignoran su existencia, así que yo no llamaría a hacerlo accesible. Si se refiere a la venta de entradas… la mayoría de estas exposiciones son más caras que las de muchos museos europeos, algunos de los cuales incluso tienen la exposición permanente accesible de forma gratuita como la Tate Modern o la National Gallery de Londres. Para “Monet: The Immersive Experience” en Cincinnati, EE.UU., el precio de la entrada estándar varía según los días de la semana, pero un domingo cuesta 42,90 $ por persona, mientras que una entrada estándar al MoMA cuesta 25 $ para un adulto. La entrada completa al Museo de Orsay de París, que alberga una de las mejores colecciones impresionistas del mundo, cuesta 16 euros.
También podemos considerar la “accesibilidad” como el hecho de hacerla disponible para ser vista en todo el mundo. Trasladar una obra de arte de un museo a otro tiene, en efecto, enormes costes de transporte y seguro, así como limitaciones de conservación, lo que dificulta que obras maestras de artistas como Frida Khalo, Monet o Dalí viajen constantemente. Y también es cierto que no mucha gente puede viajar a Europa para visitar museos. Pero mi problema aquí es con la afirmación de que con estos proyectos inmersivos, la gente tiene acceso a ver estas obras de arte en directo, lo que no es cierto. Los visitantes tienen acceso a ver una proyección de baja/media calidad de las obras de arte pagando un alto precio. Si el objetivo es ver una reproducción de una obra de arte siempre puede visitar la página web del museo o Google Arts Project para encontrar reproducciones de alta calidad de forma gratuita, lo que le permite ver todos los detalles del cuadro mientras amplía la imagen todo lo que quiera. Esto es La obra de arte en la era de la reproducción mecánica (el famoso libro de Walter Benjamin) con esteroides. Lo que distingue a una obra de arte es su singularidad y el aura irreproducible que rodea al original y por eso se paga por entrar en un museo: para ver obras maestras únicas producidas por genios. Aquí sólo está la proyección de ahí una reproducción a una escala que ni siquiera es relacionable con el original. ¿Y puede ver siquiera la textura? ¿Los detalles de las pinceladas? ¿La pátina o algún craquelado? ¿Puede siquiera sentir esa conciencia estética en este entorno inmersivo? Porque recrear piezas originales con un proyector y una pared en blanco no aporta mucho en cuanto a estimulación sensorial. ¿O despierta todos los sentidos sólo porque es más grande y está en su cara?
Entonces, ¿qué explica su éxito? En Estados Unidos se atribuye a la serie de Netflix “Emily in Paris”, que presenta a una joven profesional del marketing estadounidense que se traslada a París en busca de baguettes, vino y seguidores en las redes sociales. En la primera temporada de la serie, que se emitió a finales de 2020, la protagonista visita “Van Gogh, noche estrellada”, una experiencia inmersiva en L’Atelier des Lumières, y el interés por experiencias similares se disparó después. La protagonista está creada para ser un icono de la moda y una persona influyente en las redes sociales en un programa que es muy visual, por lo que es natural que la gente en la vida real resuene con ella.
Hoy en día la influencia de los medios sociales es tan fuerte que en la página web de la exposición “La revolución inmersiva de Klimt” se hace un llamamiento a los Influenciadores de los Medios Sociales “¿Le gustan las experiencias únicas e inolvidables? ¿Busca difundir contenidos sociales sorprendentes y que inviten a la reflexión mientras gana fantásticos regalos? ¡Ha venido al lugar adecuado! ¿Podría ser un influencer de Immersive Klimt Toronto? Tiene al menos 2.000 seguidores en todas sus cuentas de redes sociales. ¿Está dispuesto a crear contenido único y de alta calidad para promocionar Immersive Klimt? Le gusta asistir a eventos. Si está interesado y cumple nuestros requisitos, ¡presente su solicitud!”. Algunos museos “tradicionales” están utilizando a personas influyentes en las redes sociales para promocionar sus colecciones y, si el trabajo se hace bien, no tengo nada en contra de esa técnica de marketing, pero aquí parece que sólo se está regalando entradas a cambio de algunas fotos bonitas en su perfil.
Los museos se asocian muchas veces con el aburrimiento. Hay que estar callado, hay muchas cosas que ver que no se entienden y la experiencia es pasiva y a menudo acaba con los ojos doloridos y el cerebro cansado de intentar absorber rápidamente una gran cantidad de información. Por el contrario, las experiencias artísticas inmersivas se venden como divertidas y emotivas. La gente puede y debe experimentar el arte como quiera y le plazca y, desde luego, no tiene por qué ser una experiencia aburrida, ya que hay muchas formas de intentar hacerlo más accesible a otros públicos fuera de la esfera artística tradicional. Pero mi problema con estas exposiciones inmersivas es que ganan mucho dinero mientras intentan vender al público una experiencia falsa basada en premisas falsas. Es puramente un truco de marketing.
